St. Vincents Albumrezension „All Born Screaming“.

Alex Da Corte*

„St. Vincent“, das siebte Album der damaligen Sängerin, Songwriterin und Multiinstrumentalistin Annie Clark, ist erfüllt von der Art von emotionalen Bildern, die noch lange nach dem Verklingen ihrer Lieder im Gedächtnis bleiben. Da ist ein „hungriger kleiner Floh“, der bereit ist, Ihren „warmen Körper“ zu infizieren, ein Straßenräuber, der Aggression in ein finsteres Versprechen verwandelt, ein Waschbecken, das rot wird, ein Kopf, der nicht aufhört zu schlagen, und ein Traum, der in der Hölle endet. . „Ich fühle mich, als würde ich auf einem Urinal tippen“, singt sie. Hey, das haben wir alle schon erlebt.

Clarks Musik war schon immer furchtlos intim. (Eines ihrer bekanntesten Lieder, „New York“ aus dem Jahr 2017, drehte sich um den Kuss der verbrannten Erde: „Du bist der einzige Motherfucker in der Stadt, der mit mir fertig werden kann.“) Doch meistens wird sie von harten Wahrheiten heimgesucht indem sie die Grenze zwischen Autobiografie und Täuschung verwischt und ihr Bild in sorgfältig gestalteten ästhetischen Masken verbirgt. In ihrem neuesten Album 2021 Papas Haus, nutzte den Glam Rock der 1970er Jahre als Spiegelbühne, um die Gefühle über die Inhaftierung ihres Vaters wegen Wertpapierbetrugs und anderer Finanzkriminalität auszuloten. Auf dem LP-Cover erscheint sie mit einer blonden Perücke, als würde sie sich mit einer Warhol-artigen Ablenkung einer unangenehmen persönlichen Realität stellen.

Jeder Junge schreit Es ist eher primitiv als konzeptionell, und das macht es zu einer erfrischenden Abwechslung unter den St. Vincent-Alben. Viele der Songs erinnern an das industrielle Blutvergießen von Nine Inch Nails, dem Gothic-Opern-Meisterwerk, das aus Tori Amos‘ Album von 1998 hervorgeht. Aus dem Chormädchenhotel, die beunruhigende Störung des Nirvana. Dave Grohl spielte zwei Songs und ein Teil des Albums wurde bei Electrical Audio aufgenommen, einem Chicagoer Studio unter der Leitung von Steve Albini, zu dessen Credits auch Nirvana gehört. Im Mutterleib. Die Ergebnisse können erschütternd sein: In Broken Man spielt sie einen „überdimensionierten Killer“, erbärmlich und geradezu gefährlich, wobei raffinierte Verzerrungen und metallische Trommeln das Gefühl der Bedrohung verstärken. „Reckless“ beginnt als traurige, spannungsgeladene Klavierballade, in der Clark verspricht, „dich in Stücke zu reißen, sonst verliebe ich mich“, und explodiert dann in einem wütenden Rezno’schen Slide. „Flea“ geht von einer augenzwinkernden Strophe zu einem Alternative-Rock-Refrain über, wobei Clarkes metaphorischer Käfer verspricht, einen auszusaugen, wenn man es am wenigsten erwartet.

Aber falls Jeder Junge schreit Es ist ein düsteres Album, es ist nicht deprimierend. Obwohl Clarks Texte dazu neigen, sich mit dem Raum zwischen Verbindung und Verachtung, Verlangen und Ekel auseinanderzusetzen (sie nennt dieses Album „Post-Plague-Pop“), klingt die Musik nie düster oder niedergeschlagen. Clarke produzierte sich zum ersten Mal in ihrer Karriere (in Zusammenarbeit mit Schlagzeugfreunden wie Grohl, Stella Mujzawa, Josh Freese und der Art-Pop-Künstlerin Cate Le Bon), und man spürt ein echtes Gefühl der Entdeckung, wenn sie die klangliche Linse dreht. selbst in den härtesten und schwersten Momenten dieser Platte. „Hell Is Here“ spaltet den Unterschied zwischen bedrohlich und transportierend, ähnlich wie David Bowies „Five Years“, und schwebt weit über eine aufsteigende Basslinie und eine komplexe Gitarrenfigur. „Sweetest Fruit“ verwendet abgehackte Elektroimpulse als Hintergrund für Clarks charakteristische, unzusammenhängende Gitarrenblitze und bietet gleichzeitig Texte, die sich nach Vergnügen als Gegenmittel zur Not sehnen. Auf „The Power's Out“ verwandelt sich der gesellschaftliche Zusammenbruch in „Year Zero“ in chaotische Freiheit („No one can rahi us now that the power's out“), während Clarkes Stimme sich prächtig über ein nacktes Schlagzeug und einen elegischen Drone im Stil von Brian Eno erstreckt. esque. . Mit seinen Reggae-Beats und der beruhigenden, beruhigenden Melodie ist „So Many Planets“ die Art von intelligentem, weltweit führenden Pop, auf den sich ihr Freund und Mitarbeiter David Byrne oft spezialisiert hat, mit einem schwülen, beruhigenden Solo von Clarke. „Nein nein Nein“ Verzichten.

Sie beendet es mit dem großen siebenminütigen Titelsong, einem weiteren Lied, das gleichzeitig befreiend und erschreckend wirkt. Das Lied beginnt hell und lebhaft und geht dann in den umgebenden Äther über, während der Refrain von „Voice of God“ einsetzt, um uns daran zu erinnern, dass „wir alle zum Schreien geboren wurden“, und diese resignierte Warnung in ein gefühlvolles Mantra verwandelt. Dann heizt sich der Track erneut auf und verwandelt sich in wildes, rasendes elektronisches Geschwätz. Es ist die Musik, die den Schrecken hervorruft, den wir alle teilen, wenn wir einfach am Leben sind, und die Art und Weise, wie wir kämpfen, ist eine Form der ständigen Geburt, die wir alle ebenfalls teilen. Es ist diese Wahrheit, die dieses Album mehrfach erforscht und zelebriert, und warum es zu Annie Clarks bislang fesselndster Musik zählt.